UN RECORRIDO POR LOS INICIOS DE VIDEOART
EN VENEZUELA 1926 - 2015
EN VENEZUELA 1926 - 2015
Marcel Duchamp
Anemic Cinema, 1926
Acabamos de ver este video que pudiéramos decir precursor del videoarte como después
se conocería, en él se muestra una serie de círculos decreciente superpuesto
que van girando a dando la sensación de una espiral que intercaladamente con
unos textos en francés en forma de espiral, dicha sucesión de círculos seguido
de cada texto se va volviendo más concretico, la relación que tiene el texto
con los círculos son las ideas que nos ronda la cabeza y que a veces si las
pensamos mucho se convierte en espiral que nos saca de nuestro eje.
Zen for film,
Nan June Paik
En este video, podemos observar la nada, una nada que nos pasea por una serie
de emociones al principio de expectativa por lo que va a ocurrir, luego se
transforma en ansiedad, porque no ocurre nada, para después retorne la calma y conectaron
con lo más profundo de nuestro ser, ser que se conecta con el entorno, entorno
que nos conecta con imaginación, imaginación que se conecta con nuestras ideas,
ideas se conectan con el ser, ser que soy yo.
Luego observamos un recorrido por una exposición de este artista donde se
muestra varias piezas, donde estaban dos
esculturas antropomórficas una de
estas representa un retrato de Joseph Vosh, un cuadrúpedo, una cama con dos
soldaditos, una con monitores de puestos en forma creciente, una maraña de
monitores pequeños sujetos a un candelabro y dos monitores con una chica
durmiendo y la del buda viéndose en el monitor así mismo, todas estas piezas muestra en
los monitores imágenes sin secuencia, montadas sin orden solo por el valor de
los colores en la obra
EL ARTE DE LOS NUEVOS MEDIOS
CAPITULO VENEZUELA
CAPITULO VENEZUELA
El
videoarte en Venezuela nace en el año 1968, con una exposición que se llevó a
cabo con el motivo del cuatricentenario de la ciudad de Caracas con un
videoarte llamado “Imagen de Caracas”; elaborada por Jacobo Borges, Mario
Robles, Juan Pedro Posani, Josefina Jordán, Manuel Espinoza, Jorge Chirinos, Ramón Unda, Edmundo Vargas, Ana Brumlik, Maricarmen Pérez, Álvaro Boscán, Luís Luksic y Francisco Hung, y con Inocente Palacios como director artístico ante el Concejo Municipal. El diseño del dispositivo expositivo fue realizado por el arquitecto Juan Pedro Posan y consistía en una estructura de 27 tubos y placas de acero, se proyectaban 8 pantallas de 8 x 10
metros con 45 proyectores. No se encontraban fijas, así que se movían según las exigencias de la propuesta, la obra en
total ocupaba un espacio aproximado de 1 hectárea de terreno en el antiguo parque de El Conde (Caracas). El contenido de las imágenes y propuesta escénica inicial (intervención de actores interactuando con el público durante las proyecciones) consistía en una interpretación artística de la historia de la ciudad de Caracas, la cual narra la historia desde la fundación de la misma hasta la era precolombina hasta la Batalla de Carabobo
en el formato cine súper 8. Paralelamente se realizaron exposiciones de Arte Contemporáneo que se podían apreciar durante los intermedios.
Esta experiencia marca una tendencia en las ideas sobre las posibilidades de los mixed-media (medios mixtos) y determinó directa o indirectamente el futuro del videoarte en Venezuela, en lo que respecta la integración artística y más específicamente a las videoinstalaciones, las videoesculturas y los videoperformances, aunque nunca llegó a repetirse con tan enorme magnitud, ni esfuerzo colectivo tan colosal.
Las experiencias posteriores fueron adaptándose progresivamente a las especificidades del medio videográfico. En efecto, el tránsito del cine experimental al vídeo experimental se dio de una manera bastante gradual, tanto que los primeros trabajos experimentales, considerados como “videoarte”, se realizaron en formato de cine Super8. Sin embargo, tales propuestas estaban encaminadas y relacionadas, tanto a nivel formal como conceptual, con las tendencias predominantes del videoarte de la época.
Esta experiencia marca una tendencia en las ideas sobre las posibilidades de los mixed-media (medios mixtos) y determinó directa o indirectamente el futuro del videoarte en Venezuela, en lo que respecta la integración artística y más específicamente a las videoinstalaciones, las videoesculturas y los videoperformances, aunque nunca llegó a repetirse con tan enorme magnitud, ni esfuerzo colectivo tan colosal.
Las experiencias posteriores fueron adaptándose progresivamente a las especificidades del medio videográfico. En efecto, el tránsito del cine experimental al vídeo experimental se dio de una manera bastante gradual, tanto que los primeros trabajos experimentales, considerados como “videoarte”, se realizaron en formato de cine Super8. Sin embargo, tales propuestas estaban encaminadas y relacionadas, tanto a nivel formal como conceptual, con las tendencias predominantes del videoarte de la época.
La primera gran exposición de videoarte “Arte en Vídeo”, coordinada por Margarita D’Amico se llevó a cabo en 1975 en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. En ella participaron artistas internacionales de la talla de Nam June Paik, Douglas Davis, Antoni Muntadas, Shigeko Kubota y Charlote Moorman, entre otros, y Régulo Pérez, Jacobo Borges y Margarita D’Amico por Venezuela. En 1979 se realizó otra exposición colectiva importante que también marcaría pauta: la Muestra de Vídeo del Primer Festival de Caracas, realizada en la Sala C de la Biblioteca Central de la Universidad Central de Venezuela, en la que destacaron los videoperformances de Diego Rísquez A propósito del hombre de maíz y Carlos Zerpa “Yo soy Patria”; en este mismo año Nan Gonzalez presenta su obra "El Nacimiento". A continuación les presento un video en donde se copilan momentos importantes de estos eventos y un agradecimento especial al canal de youtube Humberto Valdivieso subir tan importante material que documenta la historia del arte contemporaneo en Venezuela.
Cabe destacar, como señalado anteriormente, que en estos momentos, debido a la dificultad para acceder a los equipos de vídeo, muchos de los trabajos se realizaron en formato Super8, siendo este formato el que determinaría la gramática del primer “videoarte” en Venezuela.
Es en los años ochenta cuando se perfilan las tendencias más propiamente relacionadas con los formatos de vídeo y se presentan las primeras videoinstalaciones, videoesculturas y videoperformances definibles como tales. Durante toda la década surge un grupo de artistas pioneros, de los cuales gran parte de ellos ha mantenido un trabajo constante hasta el día de hoy, cada uno con una visión y estilo muy personales. Entre el grupo de pioneros de este periodo podemos mencionar los siguientes:
Carlos Castillo (1942), por lo que su trabajo es considerado el eslabón de transición entre el cine experimental y el videoarte. Sus propuestas desde el cine experimental fueron deviniendo hacia un tratamiento de la imagen tan particular e experimental que se difuminaba y al mismo tiempo se imbricaba con la idea de videoarte. Entre sus innumerables aportes artísticos se encuentra la realización de la primera videoescultura hecha por un artista venezolano “La Bandera” 1983 perteneciendo actualmente a la Colección de la Galería de Arte Nacional de Caracas. A lo largo de su trayectoria, Carlos Castillo ha demostrado ejercicio conceptual y oficio técnico remarcables que, se despliegan a través de su particular sentido del humor, parodiando e ironizando acerca de su entorno, las estructuras tradicionales cinematográficas, la cultura, el arte y la nación. Podemos mencionar entre otras obras destacables: "Hecho en Venezuela" (1977), "Intento de Vuelo Fallido" (1982) videocreación (super8), y las videoinstalaciones: "A 60 por Segundo" (1990-92), "Eco-Vídeo" (1994), "Del Hielo al infierno" (Años 90), "Magritte T.V." (Años 90), "Lavandera" (2002) y "Del Cielo al Suelo" (2000).
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IMAGEN DE LA
PELÍCULA "HECHO EN VENEZUELA" DE 1977.
UNOS HOMBRES DE
ETIQUETA HACEN UN BAILE AL ESTILO CABARET EN UN GRAN BASURERO,
MIENTRAS... |
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UNA MUJER CON
LOS OJOS VENDADOS REPRESENTANDO "LA JUSTICIA" SE LAMENTA
GRITANDO EL NOMBRE DE VENEZUELA, LLEVANDO UN MUÑECO QUE SIMULA UN PAÍS YA FALLECIDO. |
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"INTENTO DE
VUELO FALLIDO" 1982
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En 1986 ocurre una interesante experiencia creativa entre los artistas Nela Ochoa, Sammy Cucher y Leonor Arráiz, cuyo resultado lo conforman las obras donde cada uno ocupa un cargo rotativo en cada producción. Es así como, con la colaboración los otros dos, Nela Ochoa realiza: "Que en Pez Descanse" (1986) y "Topos" (1987); Sammy Cucher crea "El sueño de Eneas" (1987) y Leonor Arráiz produce "Tratado de Estética" (1986). Sin embargo, tras esta interacción, cada uno de ello continúa de manera independiente su trabajo creativo posterior.
Nela Ochoa (1953), artista multimedia, comenzó a mostrar sus trabajos de vídeo y coreografía en París, mientras estudiaba danza contemporánea. Realizó una gran cantidad de vídeos de creación como: "San Joaquín es un Gesto" (1985) posteriormente parte integral de la "Vídeo Cruz 1492" (1992); "Topos" (1987) parte de la videoinstalación Invernadero; "Mala Matiana" (1990) parte de la videoescultura "El Árbol del Bien y el Mal" (1991); "Caja de Música" (1992); las videoesculturas "Ritos Acuáticos" y "Baños de Sangre" (1993); y las videoinstalaciones "Death by Water" (1996), "Ruinas Círculares-Hoyano" (1997), "Una Obra de Gran Envergadura" (1998), "Lejana" (1999) y "Péndulo Virtual/Vértice Inerte" (2000).
La obra de Nela Ochoa es de una gran factura técnica, generalmente con una esmerada y compleja producción y postproducción, y aborda una cantidad de preocupaciones como la relación entre el micro y el macrocosmos, la condición femenina en el contexto cultural contemporáneo, los temas de carácter ecológico y el 4 análisis de los gestos que llevan al tratamiento coreográfico. Por eso, muchas de sus creaciones podrían ser consideradas, también dentro de la categoría de la videodanza.
Yucef Merh (1977), es uno de los artistas venezolanos que ha tenido la trayectoria mas prolifera dentro del mundo de Arte de los nuevos Medios, en su carrera cuenta con numerosos trabajos como son: "Binari" (1985), "
Yucef Merhi, "
Nan González (1956), estudió artes plásticas y se especializó en fotografía y cine. Se interesó en el arte conceptual y el performance, que trabajó en un dúo creativo llamado Yeni y Nan con Jennifer Hackshaw desde 1977 hasta 1986. Individualmente realizó gran cantidad de exposiciones y participó en otras colectivas con propuestas de videoinstalaciones y videoperformances principalmente. Ha realizado más de 35 trabajos en vídeo y es considerada una de las videoartistas del país de mayor trayectoria. Sus presentaciones son técnicamente muy bien concebidas y realizadas y propone una visión muy personal en cuanto a la relación del hombre con su mundo interior, al igual que muestra sus preocupaciones ecológicas y los procesos que controlan los estados afectivos, espirituales y de pensamiento del ser más íntimo. Si bien en sus obras existe una exquisita estética de la imagen, esto lo alcanza sin el mayor uso de recursos tecnológicos. Entre sus obras más destacables se encuentran las videoinstalaciones: "Transfiguración Elemento Tierra" (1983), "Esencia M"(1988), "Om Interioridad del Hombre" (1988), "El Vuelo del Cristal" (1991), "Proceso de un Pensamiento (1991), "En Honor al Tiempo" (1992), "Un Brindis al Universo (1992), "Naturaleza Viva" (1993), "Naturaleza Muerta" (1993), "Códigos del Tiempo" (1994), , "La Poética del Viento" (1995), "Naturaleza Viva" (1995), "Del Barro Viene del Barro Vas" (1995), "The Dreams" (1997), "Gusano de Luz" (1998), "Look Your Eyes (2000), "Vida en el Congelador" (2002-2005) y "Preservar" (2003-2005).
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"BAÑOS DE
SANGRE" 1993
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La obra de Nela Ochoa es de una gran factura técnica, generalmente con una esmerada y compleja producción y postproducción, y aborda una cantidad de preocupaciones como la relación entre el micro y el macrocosmos, la condición femenina en el contexto cultural contemporáneo, los temas de carácter ecológico y el 4 análisis de los gestos que llevan al tratamiento coreográfico. Por eso, muchas de sus creaciones podrían ser consideradas, también dentro de la categoría de la videodanza.
Yucef Merh (1977), es uno de los artistas venezolanos que ha tenido la trayectoria mas prolifera dentro del mundo de Arte de los nuevos Medios, en su carrera cuenta con numerosos trabajos como son: "Binari" (1985), "
Yucef Merhi, "
Sammy Cucher (1958), es un artista nacido en Lima, Perú, y residenciado en Venezuela en los años ochenta, realizó un grupo importante de vídeos creativos y videoinstalaciones como: "El Sueño de Eneas" (1987), "La rosa de Paracelso" (1987) y "El espejo de Teseo" (1989), esta última es considerada la primera videoinstalación que incluyó el uso del circuito cerrado de vídeo en su propuesta.
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"EL ESPEJO
DE TESEO" 1989
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Leonor Arráiz (1954), es una artista de gran preocupación estética y visión poética, en la que utiliza referencia al arte en sí mismo y de cuya obra destacan los vídeos: "Tratado de Estética" (1986), "Romance Barroco" (1988) y "Demo-lición- De-construcción" (1987), videoinstalación.
Óscar Molinari (1941), es un artista pionero del videoarte con las obras: "Caribe" (1989) y "The Pool, Videochromes" (1990), ambientación de vídeo y fotografías. La técnica en la obra de Molinari, se desarrolla como un híbrido entre las nuevas tecnologías digitales y la más fiel tradición pictórica. Centra sus preocupaciones en las claves de la historia, iconos del paisaje y referencias del pop-art.
Nan González (1956), estudió artes plásticas y se especializó en fotografía y cine. Se interesó en el arte conceptual y el performance, que trabajó en un dúo creativo llamado Yeni y Nan con Jennifer Hackshaw desde 1977 hasta 1986. Individualmente realizó gran cantidad de exposiciones y participó en otras colectivas con propuestas de videoinstalaciones y videoperformances principalmente. Ha realizado más de 35 trabajos en vídeo y es considerada una de las videoartistas del país de mayor trayectoria. Sus presentaciones son técnicamente muy bien concebidas y realizadas y propone una visión muy personal en cuanto a la relación del hombre con su mundo interior, al igual que muestra sus preocupaciones ecológicas y los procesos que controlan los estados afectivos, espirituales y de pensamiento del ser más íntimo. Si bien en sus obras existe una exquisita estética de la imagen, esto lo alcanza sin el mayor uso de recursos tecnológicos. Entre sus obras más destacables se encuentran las videoinstalaciones: "Transfiguración Elemento Tierra" (1983), "Esencia M"(1988), "Om Interioridad del Hombre" (1988), "El Vuelo del Cristal" (1991), "Proceso de un Pensamiento (1991), "En Honor al Tiempo" (1992), "Un Brindis al Universo (1992), "Naturaleza Viva" (1993), "Naturaleza Muerta" (1993), "Códigos del Tiempo" (1994), , "La Poética del Viento" (1995), "Naturaleza Viva" (1995), "Del Barro Viene del Barro Vas" (1995), "The Dreams" (1997), "Gusano de Luz" (1998), "Look Your Eyes (2000), "Vida en el Congelador" (2002-2005) y "Preservar" (2003-2005).
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YENI Y NAN
"TRANSFIGURACIÓN ELEMENTO TIERRA" 1983 |
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"OM
INTERIORIDAD DEL HOMBRE" 1988
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"ESENCIA
M" 1988
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"EL VUELO
DEL CRISTAL" 1991
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"EN HONOR
AL TIEMPO" 1992
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"BRINDIS AL
UNIVERSO" 1992
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"NATURALEZA
VIVA" 1993
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"NATURALEZA
MUERTA" 1993
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"CÓDIGOS
DEL TIEMPO" 1994
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"NATURALEZA
VIVA" 1995
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"THE
DREAMS" 1997
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"LOOK
IN YOUR EYES" 2000
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"VIDA EN EL
CONGELADOR" 2002-2005
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"PRESERVAR" 2003-2005
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José Antonio Hernández-Diez (1964) es, probablemente, el videoartista venezolano más conocido internacionalmente. Su primer vídeo creativo Los sueños no duran más de cinco minutos (1988) y su videoescultura Anabell Lee (1989) revelaron una aproximación poética, estilística y técnicamente impecable que se desarrollaría y consolidaría durante los años noventa. La obra de Hernández-Diez se desplaza desde las referencias a la religión, la creación de conciencia ecológica, la violencia urbana, la sociedad politizada y las obsesiones infantiles. Sus vídeos no poseen una narrativa tradicional sincrónica. En la realización de sus instalaciones utiliza combinaciones de materiales industriales con los de uso más común o reciclados logrando excelentes acabados. Son destacables dentro de su trayectoria como videoartista su videoescultura: "Annabell Lee" (1988), "Houdini" (1989), y sus videoinstalaciones "Sagrado Corazón Vídeo" (1991), "In God We Trust" (1991), "Vas Pal Cielo y Vas Llorando" (1993) y "La Hermandad" (1994). Esta última causó gran revuelo en sus presentaciones tanto en New York como en Madrid, y lanzaron definitivamente este artista al escenario artístico internacional.
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"ANNABEL LEE" 1988
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"HOUDINI"
1989
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"SAGRADO
CORAZÓN VÍDEO" 1991
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"IN GOD WE
TRUST" 1991
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"VAS PA´L
CIELO Y VAS LLORANDO" 1993
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"LA
HERMANDAD" 1994 (DETALLE)
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Pedro Morales (1958) es considerado pionero del arte digital en Venezuela. La realidad virtual y la interacción son sus preocupaciones fundamentales. En 1989 comienza su experimentación con la creación de obras a partir de los algoritmos de fractales. Entre sus obras citaremos las animaciones digitales "La Mirada" (1990) y "El Sagrado Corazón" (1992), "Virtual Nature" (1994), "Miranda en la Carraca" (1997), "Sebastián Mártir" (1998), "City Rooms" (2003), "Abugrahib The Memory Hole" (2004), "The Game of Life" (2004), "Un Tirito al Aire" (2006) y otras obras interactiva digital.
Los años noventa representan una cierta consolidación tanto de la producción como de la exhibición, tanto de los vídeos de creación como de las videoinstalaciones y las videoesculturas. Cabe señalar que en este periodo, paralelamente al trabajo continuo de los pioneros del medio, surge un grupo de artistas más jóvenes que empiezan a experimentar con el vídeo. Entre ellos destacan: Alexandra Meijer-Werner, Sandra Vivas, Diana López, Javier Téllez, Carlos Julio Molina, Muu Blanco, Magdalena Fernández, María Cristina Carbonell, Gabriela Gamboa, José Gabriel Fernández, Luís Romero, Juan Nascimento/Daniela Lovera, Luís Poleo, Edmundo De Marchena, Roberto Mosquera, María Bernardez, Enrique Enríquez y Mailén García, entre otros. Durante esta década la producción es bastante numerosa y los trabajos son presentados en buena cantidad en exposiciones individuales y colectivas (Bienales, Salones, etc.), por lo que sólo mencionaremos algunos ejemplos puntuales para ilustrar el panorama del momento.
Las propuestas low-tech, básicamente de carácter conceptual y realizadas con el propio artista como protagonista o actor principal son preponderantes; es el caso de las obras: "Bolero" (1994); "El Lobito Herido" (1994), "Eu Sou Uma Puta Culta" (1994), "Brillar en la Oscuridad es Supervivencia" (2000) y "Sinvergüenzas" (2001) de Sandra Vivas; "Quescultura" (1993) de Diana López; "Erre Encapuchado" (1995), "El Duelo" (1996), "La Norma" (1996), "Canción de Cuna" (1996) y "Boxing" (1996) de Javier Téllez; "Complejo Cultural" (1997), "Tu Mr. T" (1996) y "Efecto Hulk" (1997) de Carlos Julio Molina; así como "Sin Títeres" (1994) de José Antonio (Muu) Blanco.
Sandra Vivas (1969) es una videoartista cuya obra está claramente imbricada con el performance. Habitualmente los temas de sus videocreaciones se relacionan con los mitos y los prejuicios sobre la feminidad, a través de la recontextualización, que, a veces, a través de la inversión de roles replantean situaciones donde la mujer ejerce un papel más realista y protagónico, en contraposición a los estereotipos estándares de los medios de comunicación masiva.
Diana López (1968) es una videoartista, también con una marcada influencia del performance. Parte de su trabajo está enfocado en el problema de la estética desde el punto de vista de la concepción social. "Escenas" (1991) "Saché Chantel" (1993) son dos videocreaciones relevantes de su trayectoria, aparte de la ya mencionada "Quescultura".
Javier Téllez (1969) es un artista que penetra en el área social de la psiquiatría y revela problemas estructurales, también cuestiona el poder de estos mecanismos e investiga las condiciones de vida de las personas con enfermedades mentales. En sus trabajos de vídeo, realizados con una tecnología muy elemental, el mismo artista es el protagonista, en donde las situaciones, tratadas de una manera ciertamente irónica, se plantean en el límite entre la normalidad y la locura, en tre sus obras se encuentran instalaciones tales como: "Bedlam" (1999), "The Last Supper" (2000), "Bounced (Aranguren)" (2000).
Los años noventa representan una cierta consolidación tanto de la producción como de la exhibición, tanto de los vídeos de creación como de las videoinstalaciones y las videoesculturas. Cabe señalar que en este periodo, paralelamente al trabajo continuo de los pioneros del medio, surge un grupo de artistas más jóvenes que empiezan a experimentar con el vídeo. Entre ellos destacan: Alexandra Meijer-Werner, Sandra Vivas, Diana López, Javier Téllez, Carlos Julio Molina, Muu Blanco, Magdalena Fernández, María Cristina Carbonell, Gabriela Gamboa, José Gabriel Fernández, Luís Romero, Juan Nascimento/Daniela Lovera, Luís Poleo, Edmundo De Marchena, Roberto Mosquera, María Bernardez, Enrique Enríquez y Mailén García, entre otros. Durante esta década la producción es bastante numerosa y los trabajos son presentados en buena cantidad en exposiciones individuales y colectivas (Bienales, Salones, etc.), por lo que sólo mencionaremos algunos ejemplos puntuales para ilustrar el panorama del momento.
Las propuestas low-tech, básicamente de carácter conceptual y realizadas con el propio artista como protagonista o actor principal son preponderantes; es el caso de las obras: "Bolero" (1994); "El Lobito Herido" (1994), "Eu Sou Uma Puta Culta" (1994), "Brillar en la Oscuridad es Supervivencia" (2000) y "Sinvergüenzas" (2001) de Sandra Vivas; "Quescultura" (1993) de Diana López; "Erre Encapuchado" (1995), "El Duelo" (1996), "La Norma" (1996), "Canción de Cuna" (1996) y "Boxing" (1996) de Javier Téllez; "Complejo Cultural" (1997), "Tu Mr. T" (1996) y "Efecto Hulk" (1997) de Carlos Julio Molina; así como "Sin Títeres" (1994) de José Antonio (Muu) Blanco.
Sandra Vivas (1969) es una videoartista cuya obra está claramente imbricada con el performance. Habitualmente los temas de sus videocreaciones se relacionan con los mitos y los prejuicios sobre la feminidad, a través de la recontextualización, que, a veces, a través de la inversión de roles replantean situaciones donde la mujer ejerce un papel más realista y protagónico, en contraposición a los estereotipos estándares de los medios de comunicación masiva.
Diana López (1968) es una videoartista, también con una marcada influencia del performance. Parte de su trabajo está enfocado en el problema de la estética desde el punto de vista de la concepción social. "Escenas" (1991) "Saché Chantel" (1993) son dos videocreaciones relevantes de su trayectoria, aparte de la ya mencionada "Quescultura".
Javier Téllez (1969) es un artista que penetra en el área social de la psiquiatría y revela problemas estructurales, también cuestiona el poder de estos mecanismos e investiga las condiciones de vida de las personas con enfermedades mentales. En sus trabajos de vídeo, realizados con una tecnología muy elemental, el mismo artista es el protagonista, en donde las situaciones, tratadas de una manera ciertamente irónica, se plantean en el límite entre la normalidad y la locura, en tre sus obras se encuentran instalaciones tales como: "Bedlam" (1999), "The Last Supper" (2000), "Bounced (Aranguren)" (2000).
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| "BEDLAM" 1999 |
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| "THE LAST SUPPER" 2000 |
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| "BOUNCED (ARANGUREM)" (2000) |
Yucef
merhi "El Reloj Poetico" (1997), fue otro
proyecto en el cual se muestra el interés del artista para integrar el discurso
poético a la avalancha indetenible, constante e impersonal quien es el tiempo,
logrando programar el reloj poético con un poema tres versos que vienen a estar
dispuesta de la siguiente manera: el primer verso que cambia cada hora, el
segundo verso que marca los minutos y el tercer verso que marca los segundos el
cual obviamente es el más difícil de leer para completar el poema e irrepetible
debido a que cuenta con 86400 verse esta conformado de forma aleatoria asiendo
literalmente de cada segundo una experiencia completamente nueva.
Juan Nascimento (1969) / Daniela Lovera (1968) (dúo creativo), vienen a ser los más representativos del vídeo de apropiación cuyo ejemplo más notable es La colección (1998), mostrando a modo de gran catálogo visual vehículos, perros, muebles y hasta menús, ironizando la visión selectiva y a la vez superficial de ciertos coleccionismos.
Por otra parte, digna de especial mención merece la obra de Alexandra Meijer-Werner, joven artista fallecida prematuramente (1972-2002), cuya tendencia, a lo largo de su corta, pero fructifica labor, fue la de la creación de grandes espacios videográficos (videoproyecciones) "Interactivos” con los que el espectador pudiera relacionarse de alguna manera, recorriendo el espacio y/o formando parte de la imagen proyectada. cinco
videoinstalaciones y un video de Alexandra Meijer-Werner: "Kreislauf" (1997), "Tus Pies Mis Pies" (2000), "El Telar Invisible" (2000), "Ósmosis" (2001), "Ouroboros IV" (2002) y el registro del proyecto "Ouroboros IV" (2002), las cuales las describiríamos
de la siguiente manera:
"Ósmosis" (2001) presenta la proyección de tres videos sobre cinco figuras humanas modeladas con Lightskins, un material fabricado con tela y alambre, mientras que Ouroboros IV (2002) es una obra que integra las diferentes versiones sobre el tema nacimiento en fuego, agua, tierra y aire.
"Kreislauf" (1997) proyecta en una pantalla circular de tela transparente tres videos
sincronizados entre sí, en cuyas imágenes el espectador puede sumergirse
caminando afuera o adentro de la obra.
El video "Proyecto Ouroboros" (1997), que es una propuesta multimedia que combina danza, teatro,
video, escultura y música. En 1998 fue presentado en la Sala Experimental del
Museo de Bellas Artes.
"Tus Pies Mis Pies" (2000) invita al espectador a introducir su rostro en una gran caja
que proyecta escenas de la naturaleza, escenas urbanas, pobreza, centros
comerciales, catástrofes, violencia, júbilo. La cara del público recibe las
proyecciones como un baño de imágenes. Al mismo tiempo, la audiencia en general
puede ver el video en una gran pantalla.
"El Telar Invisible" (2000) representa la intercomunicación vital en que todos los
elementos se entrelazan por los hilos misteriosos de un Telar Universal. El
espectador puede caminar entre camadas de telas transparentes donde se
proyectan imágenes de manos tejiendo, telares y personajes entremezclados. Al
final hay un espejo que integra al visitante en esa gran trama.
"Ósmosis" (2001) presenta la proyección de tres videos sobre cinco figuras humanas modeladas con Lightskins, un material fabricado con tela y alambre, mientras que Ouroboros IV (2002) es una obra que integra las diferentes versiones sobre el tema nacimiento en fuego, agua, tierra y aire.
Su propuesta posee una marcada influencia de las ideas de Carl Jung sobre los arquetipos y con la terapia expresiva, que explora las posibilidades “curativas, relajantes y conectoras” del arte.De esta
talentosa artista logre encontrar apenas cinco imágenes y un video de su
brillante trabajo, que lastimosamente el destino trunco su carrera impidiéndonos
lograr ver el alcance de la cúspide de su trabajo.
Magdalena Fernández (1964) es una artista en cuya obra conjuga elementos de diseño gráfico y matemáticas, para reflexionar sobre los espacios y la participación del ser humano en ellos. Utiliza frecuentemente el vídeo en sus propuestas, en las que trabaja con la “naturalización” de la abstracción; al darle movimiento y sonido a imágenes abstractas replantea la relación del espectador con la obra. La presentación de videoproyecciones “acuáticas” en las que se muestran imágenes de agua como elementos abstractos en constante movimiento en los con los que el espectador pueda interactuar es otra de las constantes en su obra. Investigación sobre las estructuras naturales y relación con la abstracción. Dentro de su gran producción, podemos señalar las siguientes obras:
PINTURA Y DIBUJOS MOVILES ANALOGICOS: "2dmSLW004" (2004), "3dm004" (2004), "4dm004" (2004), "10dm004" (2004), "11dm004" (2004), "1pm004" (2004), "1pm006" (2006),"2pm006" (2006), "3pm006" (2006), "4pm006" (2006), "1dpm006" (2006), "6pm006" (2006), "1dm004008" (2008), "2dm004008" (2008)
PINTURA Y DIBUJOS MOVILES DIGIALES: "1dm004 Eleuttherodactylus Coqui" (2004), "1pm006 Ara Ararauna" (2006), "2pmHO008A Homenaje a Hélio Oiticica" (2008), "1pmHO008LR Homenaje a Hélio Oiticica" (2008), "1HO008" (2008), "2PM009" (2009), "1pmAo010" (2010), "1pmS011" (2011)
VIDEO INSTALACIONES: "11i998" (1998), "3i999" (1999), "3i000" (2000), "1i001Odontomachus Bauri" (2001), "10dm004" (2004), "1i006 Eleutherodactylus Coqui" (2006), "2i008" (2008), "2iPM009" (2009),"1iHO008 Homenaje a Hélio Oiticica" (2010), "1pmAO010 lcterus" (2010), "2pmTG010 Ortalis Ruficauda" (2010), "4i012" (2012), "1pmS015" (2015)
VIDEO APUNTES NATURALEZA: "2van002" (2002), "2van010" (2010), "3van010" (2010), "5van010" (2010), "6van010" (2010), "7van010" (2010), "9van010" (2010), "1van010" (2010)
VIDEO APUNTES: "2vaTG009" (2009), "2vaTG011" (2011), "6va011" (2011), "8vaB011" (2011), "3vaWC011" (2011), "7vaTG011" (2011), "11vaTG011" (2011)
Entrando en el siglo XXI, siempre considerando, paralelamente, el trabajo de los “continuos” del videoarte venezolano, en estos últimos siete años se revelan, en el panorama de las artes visuales, un grupo aún más joven de artistas que utilizan el vídeo como parte integral de su arte; es el caso de Nayarí Castillo, Deborah Castillo, Julia Zurilla, Adriana Barrios/Reinaldo Guédez, Jorge Domínguez-Dubuc, Jaime Castro y Bela Rosemberg, entre otros. Las tendencias durante este periodo están centradas en la experimentación formal dirigida hacía la reinterpretación de los “paisajes”, las invitaciones a la contemplación, las poéticas de la memoria y los acercamientos a la intimidad de los recuerdos. De este grupo podemos puntualizar, a modo de ejemplo, el trabajo de los siguientes artistas:
Nayarí Castillo (1977) es fotógrafa y videoartista. La mayoría de sus vídeos podrían considerarse “fotografías en vídeo” ya que dentro del cuadro existe movimiento, pero el tratamiento (encuadre fijo, ralentización de la imagen) declaran la intención de “retratar” un evento por un corto período de tiempo e invitan a una contemplación estética, imbuida de cierta nostalgia, que trasciende el momento y las situaciones presentadas. En su obra aborda sistemáticamente el problema de la memoria, el tiempo, la ceguera y los sueños. Entre sus obras podemos destacar: "Contemplación: Anotacion sobre la Pintura" (2004), "Postales" (2005) y "Levedad", videoinstalación (2006).
Julia Zurilla (1967) es una videoartista que califica su obra como “territorios videográficos” debido a ciertas pretensiones cinematográficas que guardan en su interior. En sus vídeos, de corta duración, existe una intención poética tanto en el tratamiento de la imagen como en la utilización de la palabra escrita y hablada. Trabaja fundamentalmente con pequeños segmentos de imágenes en movimiento y con palabras y frases, que sugieren al espectador una serie de imágenes paralelas en su imaginación. En ocasiones realiza trabajos deconstructivos con fragmentos de textos conocidos de la literatura universal. Entre sus obras podemos mencionar: "Viajero I" (2000), "Cuentos Escogidos" (2003), "Mundo de Abundancia" (2003) y "Desdicha" (2004).
Jorge Domínguez Dubuc (1970) es un fotógrafo y videoartista cuya propuesta se centra en la apreciación de los paisajes naturales intervenidos con elementos que le confieren un carácter a veces onírico e irreal. Combina la imagen grabada con intervención digital logrando una gran calidad estética de la imagen denotando gran destreza en el manejo de los recursos técnicos. Su obra pretende activar la memoria de los venezolanos, a través de tres estancias que se refieren a su comodidad y conformismo, a su contemplación bifocal, y a su afán de refugiarse en espacios sociales. Entre sus obras citamos: "Alto del Toro, Estado Guárico, 1998" (2000), "Llanerolandia, Caracas 1999" (1999), "Parque del Este, Caracas, 2001" (2001), "Los Llanos, Estado Guárico 2003" (2003), "Encuentro" (2004), "Monstruo de la Realidad II" (2006).
Magdalena Fernández "1i001Odontomachus Bauri" (2001)
Yucef Merhi
Magdalena Fernández (1964) es una artista en cuya obra conjuga elementos de diseño gráfico y matemáticas, para reflexionar sobre los espacios y la participación del ser humano en ellos. Utiliza frecuentemente el vídeo en sus propuestas, en las que trabaja con la “naturalización” de la abstracción; al darle movimiento y sonido a imágenes abstractas replantea la relación del espectador con la obra. La presentación de videoproyecciones “acuáticas” en las que se muestran imágenes de agua como elementos abstractos en constante movimiento en los con los que el espectador pueda interactuar es otra de las constantes en su obra. Investigación sobre las estructuras naturales y relación con la abstracción. Dentro de su gran producción, podemos señalar las siguientes obras:
PINTURA Y DIBUJOS MOVILES ANALOGICOS: "2dmSLW004" (2004), "3dm004" (2004), "4dm004" (2004), "10dm004" (2004), "11dm004" (2004), "1pm004" (2004), "1pm006" (2006),"2pm006" (2006), "3pm006" (2006), "4pm006" (2006), "1dpm006" (2006), "6pm006" (2006), "1dm004008" (2008), "2dm004008" (2008)
PINTURA Y DIBUJOS MOVILES DIGIALES: "1dm004 Eleuttherodactylus Coqui" (2004), "1pm006 Ara Ararauna" (2006), "2pmHO008A Homenaje a Hélio Oiticica" (2008), "1pmHO008LR Homenaje a Hélio Oiticica" (2008), "1HO008" (2008), "2PM009" (2009), "1pmAo010" (2010), "1pmS011" (2011)
VIDEO INSTALACIONES: "11i998" (1998), "3i999" (1999), "3i000" (2000), "1i001Odontomachus Bauri" (2001), "10dm004" (2004), "1i006 Eleutherodactylus Coqui" (2006), "2i008" (2008), "2iPM009" (2009),"1iHO008 Homenaje a Hélio Oiticica" (2010), "1pmAO010 lcterus" (2010), "2pmTG010 Ortalis Ruficauda" (2010), "4i012" (2012), "1pmS015" (2015)
VIDEO APUNTES NATURALEZA: "2van002" (2002), "2van010" (2010), "3van010" (2010), "5van010" (2010), "6van010" (2010), "7van010" (2010), "9van010" (2010), "1van010" (2010)
VIDEO APUNTES: "2vaTG009" (2009), "2vaTG011" (2011), "6va011" (2011), "8vaB011" (2011), "3vaWC011" (2011), "7vaTG011" (2011), "11vaTG011" (2011)
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| "11i998" 1998 |
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| "3i999" 1999 |
"3i999" 1999
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Entrando en el siglo XXI, siempre considerando, paralelamente, el trabajo de los “continuos” del videoarte venezolano, en estos últimos siete años se revelan, en el panorama de las artes visuales, un grupo aún más joven de artistas que utilizan el vídeo como parte integral de su arte; es el caso de Nayarí Castillo, Deborah Castillo, Julia Zurilla, Adriana Barrios/Reinaldo Guédez, Jorge Domínguez-Dubuc, Jaime Castro y Bela Rosemberg, entre otros. Las tendencias durante este periodo están centradas en la experimentación formal dirigida hacía la reinterpretación de los “paisajes”, las invitaciones a la contemplación, las poéticas de la memoria y los acercamientos a la intimidad de los recuerdos. De este grupo podemos puntualizar, a modo de ejemplo, el trabajo de los siguientes artistas:
Nayarí Castillo (1977) es fotógrafa y videoartista. La mayoría de sus vídeos podrían considerarse “fotografías en vídeo” ya que dentro del cuadro existe movimiento, pero el tratamiento (encuadre fijo, ralentización de la imagen) declaran la intención de “retratar” un evento por un corto período de tiempo e invitan a una contemplación estética, imbuida de cierta nostalgia, que trasciende el momento y las situaciones presentadas. En su obra aborda sistemáticamente el problema de la memoria, el tiempo, la ceguera y los sueños. Entre sus obras podemos destacar: "Contemplación: Anotacion sobre la Pintura" (2004), "Postales" (2005) y "Levedad", videoinstalación (2006).
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"TIRESIAS" 2004
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Julia Zurilla (1967) es una videoartista que califica su obra como “territorios videográficos” debido a ciertas pretensiones cinematográficas que guardan en su interior. En sus vídeos, de corta duración, existe una intención poética tanto en el tratamiento de la imagen como en la utilización de la palabra escrita y hablada. Trabaja fundamentalmente con pequeños segmentos de imágenes en movimiento y con palabras y frases, que sugieren al espectador una serie de imágenes paralelas en su imaginación. En ocasiones realiza trabajos deconstructivos con fragmentos de textos conocidos de la literatura universal. Entre sus obras podemos mencionar: "Viajero I" (2000), "Cuentos Escogidos" (2003), "Mundo de Abundancia" (2003) y "Desdicha" (2004).
Jorge Domínguez Dubuc (1970) es un fotógrafo y videoartista cuya propuesta se centra en la apreciación de los paisajes naturales intervenidos con elementos que le confieren un carácter a veces onírico e irreal. Combina la imagen grabada con intervención digital logrando una gran calidad estética de la imagen denotando gran destreza en el manejo de los recursos técnicos. Su obra pretende activar la memoria de los venezolanos, a través de tres estancias que se refieren a su comodidad y conformismo, a su contemplación bifocal, y a su afán de refugiarse en espacios sociales. Entre sus obras citamos: "Alto del Toro, Estado Guárico, 1998" (2000), "Llanerolandia, Caracas 1999" (1999), "Parque del Este, Caracas, 2001" (2001), "Los Llanos, Estado Guárico 2003" (2003), "Encuentro" (2004), "Monstruo de la Realidad II" (2006).
Magdalena Fernández "1i001Odontomachus Bauri" (2001)
Yucef Merhi
Yucef
Merhi
Nan
Gonzalez "Afuera Adentro" (2002), en este
video podemos observar de primera mano una breve experiencia de lo que es estar
encerrado, ya que nos ubica en la experiencia del encierro en primera persona,
estando en los propios zapatos del cautivo, para despues de una forma simbolica
como es la del caballo correr con toda libertad en un mar de esperanza.
Nela Ochoa "95% Iguales" (2002), el trabajo parte de la investigación sobre la genética de Ochoa que ella ha estado investigando desde 1994. Su video, filmado en la ciudad de Bogotá, Colombia, muestra una bailarina de ballet en un tutú, girar y cambiar de puntillas en la casa de un estilo de los Tudor. La imagen del artista y la imagen de la artista y la imagen de un cerdo rosado que llevaba un tul se yuxtapone a partir de los dedos de los pies de la bailarina y pies de cerdo, la fusión de las características de ambos personajes. Al final del video de Ochoa aparece una impresión frase estadística sobre la pantalla de "95% de los cromosomas porcinos corresponden a los cromosomas humanos."
Yucef Merhi
Isabel Ron-Pedrique (1968),Transcubiculismo (2002) obra en video proyectada en sala de exposición, el público cambia los escenarios activando un teclado que tiene veinte posibilidades, quedando el azar determinado por el botón escogido por el usuario, cada botón al mismo tiempo activa una cadena de elecciones aleatorias pre-programadas. Accionar un botón origina un collage de imágenes y sonoridades propias de una oficina. Se distinguen varios planos visuales, el de los personajes principales, el ambiente y objetos característicos de dicho entorno. Tonos telefónicos provenientes del teclado ubican al observador en un ambiente externo y lo invitan a la interacción, mirando estos personajes como dentro de una pecera. La crítica va dirigida al mundo del cubículo de trabajo como terreno único de toda existencia, y la manera cómo se suplantan y satisfacen las necesidades básicas de los allí inmersos para que no abandonen nunca sus puestos de trabajo.
Observamos aquí dos casos de aleatorismo: uno el programado mediante algoritmos con Macromedia, donde el artista puede determinar el grado de azar en sus procesos, y otro la posibilidad de escogencia de la narrativa que tiene el espectador activando la instalación, en este caso “lanzando los dados” al presionar el teclado. La obra no está sujeta a eventos externos otros que el accionar dicho teclado, y a pesar de su gran variedad de imágenes y sonidos, el aleatorismo está cuidadosamente controlado. El espectador interactúa cambiando los ambientes, en contemplación e inmersión pasiva. Ron-Pedrique logra una estética propia y característica, y el usuario desfila a su propio ritmo por estos ambientes.
"Latricón" es una obra de collage cibernético para ser proyectada en sala de exposiciones, presentada a través de un monitor o sobre una pantalla interactiva (touch screen). En esta obra también existe un número finito de posibilidades dentro del azar. La autora somete los algoritmos a sus necesidades estéticas de sutil belleza y atractivo, y los controla de tal manera, que la narrativa se atiene a parámetros específicos, quedando Ron-Pedrique libre para establecer su propia identidad: La expresión de la artista domina el método, los algoritmos y la tecnología. Es este tipo de trabajo el que se diferencia más de los usos aleatorios característicos de los años 60, donde no se quería o no se podía técnicamente determinar los resultados. Muchas veces el método asfixiaba al artista y no siempre dichos resultados eran estéticamente deseados por los autores. La obra de Ron-Pedrique puede ser descrita como contemplativa, si se pudiera definir una interacción en esos términos. Cada decisión del usuario genera un ambiente a disfrutar mas no uno en el cual estar involucrado.
Carlos Gomez de Llanera (1974) La obra presenta un abanico de posibilidades y métodos aleatorios, desde la sencilla interacción-intervención del usuario, hasta la fina programación algorítmica en instalaciones de video museísticas. "Urballoon" (2002) es una obra donde un proyector de video cuelga de un globo (Balloon) y proyecta una imagen al piso, esta imagen se origina en una transmisión desde un servidor del WWW30. Los usuarios pueden enviar sus archivos, fotos, páginas y mensajes a través de este servidor y serán vistas donde quiera que flote la obra, ya sea en plazas o museos. De nuevo como en todas las obras aquí analizadas de Gómez de Llarena, poseen el encanto de que el usuario se siente altamente partícipe de lo que ocurre y la interactividad es un placer, una diversión. Gómez de Llarena alcanza una agradable interactividad y una participación ciudadana que sumerge al usuario en procesos creativos básicamente comunicacionales.
"Vectorial Soundscape" es una escultura luminosa interactiva que reacciona ante los usuarios por medio de micrófonos que captan sonidos (la voz en particular) y un ordenador que los analiza. La escultura cambia de posición y de forma según la intensidad (volumen) de lo que los usuarios dicen. Aquí observamos un sistema sofisticado de diseño que se enfrenta a la interacción aleatoria del usuario. El sistema no genera aleatorismo sino captura estímulos azarosos en esencia. (Ver detalles de la instalación en el Anexo 3). Otra de sus obras que comparte esta dualidad de fina programación con una interactividad producto del aleatorismo exterior es "1D Shadow" (2005).
En este caso es la sombra de los usuarios sobre la proyección en la sala de exposiciones y su movimiento al interceptar el haz de luz, lo que genera imágenes visuales de colores en el canvas. Al igual que en "Vectorial Soundscape" el usuario inmediatamente percibe que es su interacción la que origina los cambios, e inicia un juego estimulado por la sensación de estar inmerso en dicha obra. Este elemento de la participación y creación de la obra es mucho más fuerte en el caso de Gómez de Llarena que en Ron-Pedrique. Ron-Pedrique como autora es omnipresente en su trabajo, ¡no porque aparezca disfrazada en algunas de sus imágenes sino porque la obra artística como tal no incluye al usuario, a pesar de la interactividad. En "1D Shadow" de Gómez de Llarena el público inmediatamente se ve a sí mismo reflejado en el trabajo, se vuelve uno con la interactividad y se divierte al encontrar su humanidad reflejada en parámetros artísticos. De alguna manera el autor permanece escondido.
Javier Téllez "Razon Planetaria (Hospital Larco Herrera, Lima)" (2003), vivimos en una sociedad donde cualquier posibilidad imprevisto debe reducirse al mínimo. El control de lo diferente, del error, se refleja en el video-instalación de Javier Téllez, en la que los pacientes del Hospital Psiquiátrico Larco Herrera, en Lima, se involucran en un remake de '2001: Una odisea del espacio', en la misma fijación de su confinamiento.
Magdalena Fernández "10dm004" (2004)
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Magdalena Fernández "2dmSLW004" (2004)
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Yucef Merhi "Maximum Security" (1998 - 2004), es una instalación realizada con los correos electrónicos que le enviaron al ex-presidente Chávez, impresos y colocados al azar en unos enormes paneles.
Javier Téllez "The Greatest Show on Earth" (2005) Documentos Un desfile organizado por Javier Téllez en Las Playas, en la frontera entre Tijuana y San Diego. El evento contó con ciudadanos de a pie, los visitantes de Insite (la exposición periódica para los que el trabajo que produjo), y los pacientes de un hospital psiquiátrico local (La Última disfrazada detrás de máscaras de animales y signos armados que protestaban diversas injusticias). La actuación termina con una bala de cañón humana se disparó hacia la frontera con los Estados Unidos, un acto desafiante no transgrede los límites sociales y políticos, literal y figurativamente, subrayando las dificultades que enfrentan los millones de trabajadores mexicanos y centroamericanos que cruzan la frontera de manera ilegal cada año en busca de una vida mejor.
Nan Gonzalez "Almas del
Deshielo" y "Titanes de Hielo" (2005) son dos videoart en donde la artista logra captar la esencia desgarradora del momento
en el cual se desploma enormes pedazos de hielo del glaciar.
Reinaldo Guédez (1969) tiene una relación muy directa con las tendencias más contemporáneas de la danza, por lo que realiza trabajos videográficos que en muchas ocasiones se presentan como parte de performances en vivo. Por otra parte ha presentado videoinstalaciones conjuntamente con la artista Adriana Barrios en las que se hace una reinterpretación de los iconos religiosos más tradicionales. Sus vídeos poseen una gran calidad de realización y postproducción. Otro de sus intereses principales es el trabajo con los iconos de la cultura pop y de masas. Entre sus videoinstalaciones podemos puntualizar: "Cordero de Dios (en colaboración con Adriana Barrios)" (2000); "Ralov (en colaboración con Adriana Barrios)" (2001); "Lucía" (2003); "Lamma sabactani? In Matteo (27:46)" (2004); "Menguante" (2005) y "La Rosa de Auschwitz" (2007).
Magdalena Fernández "1pm006" (2006)
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Magdalena Fernández "1i006 Eleutherodactylus Coqui" (2006)
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Nayarí Castillo "THE WORD, THE SILENCE" (2006), esta intervención se hizo sitio específicamente para estantes índice de tarjeta de la biblioteca de la Escuela de Música Franz Liszt en Weimar. Una serie de videos sobre la palabra y el silencio se proyecta en pantallas pequeñas que reemplazaron cajones habituales del índice. Sólo el archivo de la música contemporánea fue sustituido por el vídeo. Para consultar la biblioteca era necesario ir a otra habitación y comprobar los cajones en completo silencio.
Magdalena Fernández "Serie Dibujos y Pinturas Móviles" (2004 - 2006)
Magdalena Fernández 2i006 "Techo Falso y Luces de Medidas Variables" (2006)
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| BOCETO DEL ARTISTA |
Pedro Morales "Un Tirito Al Aire" (2006), es una obra interactiva lúdica en donde ubica al espectador – jugador en este caso, en la piel de un personaje que derrocha lo que por gracia divina le correspondió a esta tierra bendita de Venezuela, se critica directamente al expresidente de la República Hugo Chávez, por el despilfarro de los dólares de la nación provenientes del petróleo y malgastándolo en dadivas para otros países, compra aviones y armas de fuego innecesarias e improductivas.
"Si allí estuve en un gran congelador, que me llevo a una interacción directa con los animales que habitan ese principio o fin del mundo, la Antártica".
"Siento que deje una huella al paso. Espero haber contribuido con una heladera como la llamaban allá en Ushuaia al frizer o mejor dicho congelador, que conseguimos en una casa de artefactos eléctricos, desechados por su antigüedad, cuando lo vi, en ese poco de cachivaches me encanto".
Pedro Morales “Bordados Porno” (2007) es una investigación acerca de la realidad virtual a través de estereogramas. Se compone de 16 estereogramas digitales; hecho a mano, utilizando como soporte producido industrialmente artículos para el hogar, como las que pueblan nuestra vida por cientos: botones de la camisa, bandas elásticas, cuentas de vidrio, ojos movibles, hilo de punto de cruz. Las imágenes han sido procesadas utilizando el software de aplicación en 3D, a continuación, materializado en telas utilizando esos materiales. El trabajo ha sido concebido para ser digital hasta el montaje de los estereogramas: el producto final están hechos a mano objetos realizados con técnicas de bordado antiguas para recrear la realidad virtual. El estereograma me da un camino interesante en la realidad virtual y la geometría fractal, ya que desarrolla las posibilidades de una superficie al máximo. Las escenas en 3D que se muestran en este trabajo son esculturas que representan posiciones sexualmente explícitas tomadas del Kama Sutra.
El espectador no es un receptor pasivo de la obra; se trata
de un decodificador activo que usa su cerebro y la visión como herramientas de
vida que transfieren su conciencia de una realidad alternativa. La belleza de
estereogramas no radica en la reproducción fiel de la realidad, sino en la
sensación de felicidad que se experimenta en ser capaz de dar sentido a la
información 3-D contenida en una muestra de superficie con textura
aparentemente nada más.
Bordados Porno es también una reflexión sobre cómo los
impactos de internet nuestra actitud hacia el sexo, un tema siempre presente a
través de la red: cada pantalla es una ventana al material porno. A pesar de la
facilidad de acceso a contenido sexual, viendo que es un acto privado. Al
preguntar al espectador a buscar voluntariamente en su cerebro para la visión
estereoscópica, busco una sensación que sólo se puede sentir de forma individual,
incluso entre una multitud. Este tipo de fenómenos estereoscópica propone una
metáfora en relación con la era de la información, y nos da una idea del nuevo
entorno socio-cultural que esta era su origen.
El artista propone este trabajo como un nuevo avance en el
borde donde el arte y la ciencia de fusibles para demostrar que ambos tienen
que ver primordialmente con la belleza. A través de la realidad virtual, una
obra de arte es creado digitalmente en la pantalla del ordenador, y más tarde
se materializó en piezas físicas que son únicas debido a su conceptualización,
la belleza y la mano de obra. Ahí reside la mente del artista, la relación
explorando en un proceso sin fin: la búsqueda de lo humano a través de los
avances tecnológicos, que entrañable coqueteo entre la ciencia y la belleza.
Mi propuesta pretende romper paradigmas en la realidad
virtual, para empujar sus límites a un máximo, para desencadenar nuevos retos
para estereografía. No sabemos exactamente lo que ocurre en nuestro cerebro cuando
vemos algo en 3D en un plano irregular, cuando nos convertimos en instrumentos
para el arte. Tal vez habría que buscar la clave de este misterio en el corazón
de uno. Porque en todo caso, ha sido la curiosidad humana que ha hecho el
estereograma en el fenómeno urbano que es hoy, me insta al estudio de la
realidad virtual, la presentación de estereogramas artesanales como verdadera
naturaleza virtual.
Nayarí Castillo "OSTALGISCHES MEERWEH (PUBLIC INTERVENTIONS)" (2007-2008), La palabra evoca las impresiones de un viajero alemán que viaja a la isla de Ernst Thalmann, un regalo de Fidel Castro al gobierno de la RDA en 1972. Un televisor instalado en la estación de autobuses Jena Paraíso muestra el diario del viajero durante el movimiento imaginario. El trabajo fue instalado dos veces en 2008, una vez que, como parte del proyecto El Dorado del Instituto Goethe en la Galería Nacional de Caracas y segunda puesta en escena como parte de la conferencia a bordo de la Bauhaus en la Galería Guggenheim, de Weimar.
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NATIONAL GALLERY. CARACAS, VENEZUELA
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EIGGENHEIM GALLERY. WEIMAR, GERMANY
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Javier Téllez “Letter on the Blind, For the Use of Those Who See” (2007) El artista vuelve a crear la parábola india "Los ciegos y el elefante", la filmación de seis personas ciegas, ya que tocan diferentes partes de un elefante vivo y la edición de sus "momentos de reconocimiento táctil" para coincidir con sus descripciones de lo que sienten. Disparo en el interior desuso parque McCarren piscina de Brooklyn, esta pieza contemporized la lección narraciones antiguas que cada ser experimenta lo mismo de una manera única. Su deseo de fomentar amplio, el pensamiento compasivo se reiteró por su empleo de la arquitectura extraña. Al ofrecer espacio lingüístico y visual de las expresiones elocuentes de los que se suelen relegado al silencio, Téllez disminuye nuestras diferencias como un medio para la transformación.
Magdalena Fernández "2i008" (2008)
Nayarí Castillo "TAPIRUS TERRESTRIS" (2008), el trabajo consiste en una mesa de estilo colonial del siglo XIX y un vidrio de edad lupa que muestra en una mini-pantalla la vida del Tapir en el zoológico de Berlín. El animal enfermo enjaulado escucha una carta con la descripción de la selva tropical de América del Sur y sus misterios mágicos, mientras estornuda bajo una lámpara de calor causa de un terrible frío. El texto se basa en los diarios de Karl Ferdinand Al, un geólogo alemán del siglo XIX y algunas influencias absurdas agregadas por el artista.
Nayarí Castillo "Specific Humidity" (2008), este trabajo es parte de la misma línea de investigación de "diarios de viaje" y "in-situ", donde los objetos científicos de edad tienen una discusión con dispositivos contemporáneos elaborando un conjunto semántico. La obra es una metáfora para la referencia constante a la intemperie y la humedad. La obra consta de un barómetro roto que siempre marca la palabra lluvia y dos videos que son los mismos. Una referencia de la esperanza de un buen tiempo, que nunca llega.
Magdalena Fernández "1HO008" (2008), La instalación videográfica de Magdalena Fernández reinterpreta los metaesquemas de Helio Oiticica para realizar una reflexión en torno a los elementos y mecanismos que transforman nuestra experiencia del espacio: luz, color y movimiento. A través de la proyección, en las distintas superficies de un espacio cerrado (el piso inclusive), de unos videos en los que los “metaesquemas” están recreados desde unas figuras geométricas coloreadas que cambian continuamente de lugar y disposición, y que se encuentran y se alejan entre si permanentemente, esta obra activa y dinamiza, de forma siempre imprevisible, la estructura formal del espacio, disolviendo las coordenadas de distancia y los puntos de referencia. De este modo, en el encuentro de las diversas proyecciones la luz convertida en formas de color se instala y se sitúa como el lugar mismo desde el que se hace el espacio.
El encuentro y desencuentro constante de las diversas proyecciones produce un conjunto infinito de permutaciones que hacen estallar las superficies y las fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente. Estas formas de color que se desplazan dinamizando el espacio, recogen reflexivamente y radicalizan esas preocupaciones de Oiticica por abrirse a la elaboración de una pintura que se realice y opere más allá del cuadro, y que de lugar a una situación para poetizar sus propios fundamentos, haciendo patente el juego de intuiciones y gestos sensuales que la constituyen.
ARCO 08
Pedro Morales “The Door” (2008) es una pieza producida por el artista con códigos QR *, su último elemento de la investigación. Una hoja de 210 x 80 cm, contiene mensajes alusivos a la puerta, invisible para el ojo humano, a primera vista, ocultos a los que no están tratando de pasar de la superficie. En esta ocasión, Morales usa el teléfono celular como una extensión de nuestra capacidad de percibir el mundo. Es el espectador quien decide si los desencripta. A modo de los códigos QR, que deben ser apoyados en que nuestro apéndice, el teléfono móvil, para conocer el contenido de esta pieza hecha con miles de pequeños insectos, que tiene una belleza propia fuerte y cautivadora, y llevando mensajes metáfora en lo cotidiano, lo mundano, como pagano. este trabajo utiliza la última tecnología integrada con equipos móviles inalámbricos.
Magdalena Fernández "2PM009" (2009)
Nayarí Castillo "IN-SITU" (2009), El trabajo consiste en una vista de primer circuito en tiempo real de la montaña "Ávila", cerca de la galería. La distancia de los agujeros es proporcional a la uno de los espectadores antiguos. Una metáfora para el cambio natural y la observación científica.
Magdalena Fernández "1i009" (2009)
Magdalena Fernández "2pmTG010 Ortalis Ruficauda" (2010)
Este trabajo se
refiere al territorio venezolano llamado Guayana Esequiba, también conocido en
los mapas de Venezuela como "Zona en Reclamación" (Zona en
Reclamación). Es el territorio de Guyana reclamada por Venezuela desde la época
colonial. En 1819, José Rafael Revenga, con instrucciones de Simón Bolívar,
recordó el gobierno de Gran Bretaña sobre la frontera legal entre Venezuela y
las colonias británicas, a pesar de la existencia de los colonos ingleses en el
territorio venezolano. En 1966, antes de la independencia de Guyana de Gran
Bretaña, los dos países firmaron el Acuerdo de Ginebra 1966 (número 8192).
Después de eso, mapas de Venezuela muestran toda la región del Esquivó
occidental como "Zona en Reclamación", que representa a las líneas
diagonales repetidas a lo largo de este territorio, que tiene una superficie de
159.500 kilómetros cuadrados.
Zona en Reclamación
se instaló originalmente en una calle muy transitada de la ciudad de Mérida,
una ciudad andina ubicada en Venezuela, fundada en 1588. Se mantuvo intacto
durante dos semanas. Después, el mural fue destruido.
Magdalena Fernández "1pmAo010" (2010)
Javier Téllez "O Rinoceronte de Dürer (Rinoceronte de Durero)" 2010 filmada en el panóptico del Hospital Miguel Bombarda, Lisboa, se inspira en la historia de Portugal. El rey de Portugal Don Manuel I recibió el regalo de un rinoceronte de vida en 1513. En el momento en que el animal lo Prácticamente desconocido en Europa. A causa de la criatura pronto llegó Nuremberg, inspirando el artista alemán Alberto Durero de representar el rinoceronte en su famosa xilografía.
Para esta película, Javier Téllez trabajó con pacientes psiquiátricos, específicamente en la sala de día, que son los principales actores. La película gira en torno a la presencia de un rinoceronte embalsamado. Este animal se tira alrededor de la estructura circular del día panóptico y noche, ante el asombro de los hombres y mujeres que habitan en las habitaciones.
El trabajo con los enfermos mentales ha sido una constante en el trabajo de Javier Téllez, él tiene una familiaridad y proximidad con el mundo de la enfermedad mental, lo que le permite crear situaciones y obras de arte en la que los pacientes se presentan con una grandeza y dignidad que va más allá de la imagen estereotipada de las personas con problemas psiquiátricos. Al transformándolos en protagonistas, el artista nos obliga como espectadores a mirar de cerca sus rostros, para mirar directamente a ellos y ver por nosotros mismos, si son de hecho realmente tan diferente a nosotros.
Magdalena Fernández "1pmS011" (2011)
Javier Tellez "Rotations (Prometheus and Zwitter)" (2011) Dos esculturas se ven lado girando a lado. Uno es Prometeo (1937) por Arno Breker, una figura masculina monumental que representa el héroe mitológico agarrar una antorcha. El otro es Weib und Mann oder Adam und Eva, también conocido como "Zwitter" (1920) de Karl Genzel, una pequeña figura de madera que representa a un hermafrodita que sostiene un reloj en su mano. Estatua de bronce de Arno Breker Prometeo fue una de las piezas centrales de la "Grosse Deutsche Kunstausstellung", una exposición organizada en Munich por los nacionalsocialistas en la estatua de 1937. Karl Genzel se mostró de cerca por su exhibición contraparte "Entartete Kunst"; un espectáculo dirigido a inflamar la opinión pública contra el arte moderno, mostrando piezas de vanguardia junto al arte de los pacientes psiquiátricos. Karl Genzel había sido diagnosticado con esquizofrenia y era un paciente en el asilo en Eickeborn. Las dos esculturas y los dos artistas no podrían haber sido tratados más diferente. Es en la instalación de película que los dos se encuentran ahora en el nivel del ojo.
Sammy Cucher y Anthony Aziz "In Some Country Under a Sun and Some Clouds" (2012), esta es una parte de la instalación de Indianapolis Museum of Art de exposiciones. La creación de todos los elementos de audio y mezcla de sonido envolvente de este proyecto utilizó todas mis habilidades en la más maravillosa colaboración creativa con estos dos grandes artistas. Este video está aplastado juntos para ver toda la 9 pies por 6 pies proyecciones que estaban en 3 paredes.
Javier Téllez "La Conquista De México (Artaud´s Crave)" (2012) Instalación, elementos de la cueva y uno de un solo canal de proyección de cine parte de colección de “La Conquista de México”, 16: 9, color, sonido, 45 min. Único.
Magdalena Fernández "4i012" (2012)
Nela Ochoa "Quiebre" (2013), "La Autotomía Caudal es un mecanismo ancestral de algunos reptiles que consiste en la autoamputación de la cola para distraer al depredador y así facilitar la huida"
Nela Ochoa "Quiebre" (2013), "La Autotomía Caudal es un mecanismo ancestral de algunos reptiles que consiste en la autoamputación de la cola para distraer al depredador y así facilitar la huida"
Pedro Morales "Bolivar, It´s Not Ok" (2014) Este trabajo expresa gráficamente la tendencia irreversible de la famosa moneda de todos los venezolanos “El Bolívar Fuerte”.
Nan Gonzalez "Guardianes" (2014) "Todo empezó hace año y medio, a partir de sueños recurrentes que tenía con viajar a Canaima, pero no sabía qué tenía que buscar allá. Necesitaba recursos para trasladarme y encontré el apoyo de American Airlines. Desde que llegué a ese lugar mágico sentí que había pisado tierras sagradas. Mi estado de conciencia cambió. Es un reconocimiento con los principios del hombre, con su conexión interna y con Dios"
Nota:
Vaya esto como un pequeño y humilde homenaje a todos aquellos hombres y mujeres que con su creatividad han dejado en cualquier parte del mundo el nombre de Venezuela en lo más alto y con su esfuerzo, constancia y dedicación se han convertido en la cantera cultural de este país, digna generación de maestros que dio continuidad a la generación de aquellos grandes maestro en el arte contemporáneo: Soto, Cruz-Diez, Otero, etc... Gracias por decir siempre: "Presente" en nombre de Venezuela.
Vaya esto como un pequeño y humilde homenaje a todos aquellos hombres y mujeres que con su creatividad han dejado en cualquier parte del mundo el nombre de Venezuela en lo más alto y con su esfuerzo, constancia y dedicación se han convertido en la cantera cultural de este país, digna generación de maestros que dio continuidad a la generación de aquellos grandes maestro en el arte contemporáneo: Soto, Cruz-Diez, Otero, etc... Gracias por decir siempre: "Presente" en nombre de Venezuela.
A bien de
hacerme cualquier corrección o de incluir a algún artista que falto, porque sé
que no son todos los artista ejecutantes de las Artes de Nuevos Tiempos y
esa es una de las bondades de este bello país, que la producción de artistas es
indetenible, por favor hacérmelo saber en la caja de comentarios con el fin de
conseguir crear un artículo más completo. Por todos su aportes y sugerencias
mil gracias.
Hasta otra oportunidad…
Videoarte en Venezuela. Cuatro generaciones de Arte Audiovisual Benjamín Villares Presas
Canal de Youtube de Humberto Valdivieso
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Aleatorismo en Narrativas de Obras de Arte Multimediales. Cuatro Casos Característicos: Ron-Pedrique, Gómez de Llarena, Merhi y Scarani
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El Imprevisto o la fatidica maravilla venezolana. Entrevista al cineasta Carlos Castillo
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José Antonio Hernández-Diez Uso de Contrarios: La Violencia Pasiva, como Recurso Estético
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Exposición "Surficies" Magdalena Fernández MAC 2006
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