DEL DADA AL TECHO DE LA BALLENA: ESTUDIO DEL COMPORTAMENIENTO DEL ARTE CONTEMPORANEO EN VENEZUELA

Nace en Suiza en 1904 con el Dada ( si, Caballito de madera, Redes) Tristan Tzara, fue el autor del manifestó Dada que da pie a la creación de la vanguardia: cubismo, modernismo, futurismo, expresionismo y abstraccionismo, como un rechazo a todo lo academicismo y encontrar de la primera guerra mundial; tanto en las artes plásticas como en la literaria e incluso llegando a ser tomado como para un partido político, entre los artistas se encontraba Marcel Duchant, fue el estandarte del movimiento, creador de movimiento ready-made, entre las obras que se encuentran en este movimiento esta: "rueda de bicicleta en banco de madera", “El Urinario”,"Peigne", "In Advance of the Broken Arm" entre otras.

André Breton, estudio los libros de Freud, crea la escritura automática, una manera de escribir sin pensar, razonar, sin carácter estético o moral; otro gran defensor de las ideas del dadaísmo, razón por la cual en 1924 publica el manifiesto surrealista.

Ulipo es un movimiento literario basado en el manifiestos del Dada, ubicado en Francia; en los Estados Unidos se crea el Grupo Fluxus un grupo de vanguardia que tenía como los más conocidos a John Cage y a Yoco Ono, esta última como una de los artistas que mayor influencia tuvieron en la cultura punk.

Con respecto a "El Techo de la Ballena", fue un movimiento cultural que los críticos ha comparado el movimiento Vanguardista y todo sus ismos, y a su vez del movimiento dada al haberse creado en la década de 60, aquí si aquí en latinoamericano, poniéndonos en el mapa del arte moderno con una nueva fuerza, una nueva forma de ver las cosa, cuyo aporte abarca la literatura, las artes visuales y las artes plásticas por su visión protestataria y provocadora; íntimamente relacionados con una mirada posmoderna; fundado por Carlos Contramaestre tovareño para el mundo, médico de profesión, fue director del Centro Experimental de Arte de la Universidad de los Andes. Entre sus trabajos se encuentran Salve amigo, salve adiós, 1961; Homenaje a la Necrofilia, 1962; Armando Reverón, el hombre mono, 1969 caracterizado por un lenguaje sarcástico que contradice el mundo que lo rodea, en una entrevista que le realizaron, le preguntaron: ¿Es determinante en el escritor el sitio donde nace? "Yo pienso que el lugar es determinante, en la medida que las vivencias personales son intransferibles, y es lo que permite que esa memoria se explaye y defina situaciones particulares Es evidente que en quienes esto puede influir más en los narradores, mayor riqueza otorga el mundo de la provincia que la ciudad que le corresponda en buena o mala suerte durante la infancia". Otro de los integrantes de este grupo Gonzalo Van, entre otros más.

Otro de los grandes artista que causo un gran impacto en el arte moderno fue el artista pop a Andy Walhol reconocido en años posteriores a su obra, no solo como ilustrador de profesión y artista plástico sino como director de cine, decorador de interiores, productor musical, escritor, editor y fundador de la revista interview y en la década de los 70 es contratado por la BMW para pintar sus autos de carrera que competirían en la famosa carrera de Le mans, así crea el art car.

Pero aquí en Venezuela no nos quedamos atrás con respecto a estas nuevas tendencias en el arte y también tuvimos grandes artistas contemporáneos de gran talla, que hicieron grandes aportes al arte contemporáneo como es el caso de Jesús Soto, Carlos Cruz Diez, Alejandro Otero, Gego, Marisol Escobar, grandes exponentes en los años 80 con pintura, collage, escultura, neo figuración, instalaciones, etc. 

En los 90 tenemos a Carlos Zerpa, Antonieta Sosa, Claudia Peña y Diego Barbosa, entre otros.

Nota:

La nota de cierre empieza con un agradecimiento de mi parte por visitar mi blog y termina con la invitación a que dejen su sugerencias y correcciones en la caja de comentarios. 

Hasta otra oportunidad…

ARTE CONCEPTUAL: DOS ARTISTA CON MUCHO QUE DECIR

Richard Serra,

“El espacio es un material”

En palabras de este maravillo artista, se pudiera definir su trayectoria artística en cinco palabras, quien próximamente cumplirá 60 años sigue impactando el mundo del arte con su imponentes esculturas de gran formato con un audaz estilo minimalista, sus trabajos también abarca otros campos como lo son las artes gráficas y fílmicas.

Este virtuoso artista vio la luz por vez primera el 2 de Noviembre de 1939, en la bella ciudad de San Francisco, de padres de origen español, se graduó en filosofía inglesa por el año de 1961 en la Universidad de California, Berkeley. En este mismo año entra a la prestigiosa academia de Bellas Artes en la Universidad de Yale, terminando en 1964 durante este periodo conoce a Philip Guston, Robert Rauschenberg, Ad Reinhardt y Frank Stella.Al terminar sus estudios comienza un periplo por Europa gracias a una beca que le fue otorgada por la Universidad de Yale, que lo llevaría al corazón del arte en Europa, Paris. Después sería becado Fulbright y nuevamente se desplazaría, esta vez a Florencia cuna del renacimiento.

Alrededor de 1966 comienza hacer esculturas de manera innovadoras con unos materiales que hasta la fecha eran poco convencionales como: cauchos y fibras de vidrio. En uno de sus primeros intentos fueron de carácter abstracto, ya se nota su fascinación por los metales y realizaba algunos experimentos en su taller arrojándole plomo líquido a las paredes. En 1969 ya de vuelta en los Estados Unidos, se residencia en New York y sorprende al mundo con su primera de muchas grandes obras llamada “Puntal de una tonelada, Castillo de Naipes”, esta pieza está formada por cuatro hojas de plomo que se sostienen verticalmente apoyadas unas contra otras, se empieza a dar a conocer en el círculo de artistas entre los cuales estaban artistas como Carl André, Walter de María, Eva Hesse, Sol LeWitt, Robert Smithson, Robert Morris o Bruce Nauman.

Fue a partir de los años 70 se comienza a adoptar un lenguaje propio, con esculturas de gran escala con la utilización de materiales industriales con un estilo minimalista y consiste en gigantes hojas de metal acero o plomo; dichas hojas se encuentra sostenidas sin ningún soporte, solo por el enorme peso de las mismas que las hace permanecer en equilibrio siempre erectas, al igual que todas sus grandes esculturas desafiando la gravedad; dichas hojas llevan inicialmente un proceso de oxidación de entre 8 y 10 años que tarda en tomar su color característico, invitando al espectador a formar parte integral de su obra creando en este una contradicción entre la rigidez y el movimiento; la pesadez y la ligereza; lo ordinario y la delicadez; sin dejar pasar una sensación abrumadora al estar parado y recorrer estas colosal escultura por todos sus contornos al mismo tiempo.

Este titán moderno de la escultura no deja nada al azar y diseña sus esculturas según donde vayan a ser admiradas, lo que pudiéramos certificar de que el espacio y el tiempo son materia prima en sus esculturas, con respecto a la frase con que empezamos este ensayo, dicha por el propio artista, que hasta en algunos veces le han traído problemas como fue el caso en el año 1981 con pieza Tilted Arc, una hoja de acero de 3.5 metros de altura con una suave curvatura ubicada en la plaza federal de la ciudad de New York, causo gran revuelo desde el mismo día de su instalación, los trabajadores de los edificios que lo rodeaban; debido a que la obra obstruía el libre tránsito por el camino que atravesaba la plaza, la cual deberían rodear para llegar a sus puestos de trabajos, cuatro años más tarde en 1985 se llevo a cabo una audiencia la cual fallo a favor de los trabajadores por consecuencia la obra fue removida a pesar de rebatir con fuertes argumentos por parte del artista, Richard alegaba que la obra fue realizada en base a la locación especifica de la plaza y que de otra forma si la mudaban, perdería su fascinación y la carga artística que poseía, razón por la cual no podía ser movida de su sitio, no conforme con esto Richard publicaría su famoso y radical manifiesto, en donde especificaba: “Quitar el trabajo seria destruirlo”. La batalla se prolongaría por cuatro años más, pero finalmente y muy a su pesar, el artista no fue lo suficientemente convincente y el 15 de Marzo de 1989 fue removida de su sitio por los trabajadores federales y muy criminalmente fue desechada.

Pero para nada este titán aligeraba su paso, ni mucho menos se desmotivaba, en el transcurso de su marcha artística Richard ha realizado exposiciones en los más prestigiosos museos de arte contemporáneo en el mundo entre los cuales podemos destacar: The Museum of Modern Art en Nueva York; Tate Gallery de Londres; Musée National Georges Pompidou de París entre otros y ha instalado esculturas públicas en Francia, Alemania, Holanda, etc. También ha mantenido una relación muy estrecha con España desde su primera visita en 1982, con motivo de la exposición “Correspondencia entre escultura y arquitectura” en el Palacio de las Alhajas de Madrid y en el Museo de Bellas Artes de Bilbao, entre1982 instaló en la Plaza de la Verneda, Barcelona, la escultura “La Palmera”

En 1983 crea la obra “Desplome”; es en este año cuando hace a su primera visita a la Ciudad de Bilbao con motivo de la exposición “Correspondencia entre Escultura y Arquitectura” presentada en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En una entrevista que entonces le hizo Txomin Badiola para la revista Tarte Richard manifiesta el enamoramiento por esta ciudad que lo aria volver repetidas veces en el futuro: “Estoy realmente impresionado del trato que he tenido en Bilbao. He estado en Madrid, Barcelona y otros sitios del Estado y en éste, es en el único donde no me he encontrado en España; aquí las cosas son distintas, no solo el hecho de que exista un lenguaje diferente, las relaciones entre las personas son especiales. De todos los países que he visitado este es en donde he visto más claro la posibilidad de la escultura. Dos escultores tan importantes como Oteiza y Chillida son un buen ejemplo de esto; la obra de Oteiza es realmente avanzada para el tiempo en el que se hizo.

Más que el que los artistas vascos salgas al exterior, deberíais traer el mundo del arte aquí, si a Richard Long le enseñas una foto de la cantera de Markina, mañana estaría aquí. Beuys estaría encantado de hablar sobre lo vasco, y si Mario Merz sabe que va a tener una audiencia como la que yo he tenido, vendría por nada. A cualquier artista le gustaría venir aquí.”

Fue precisamente Richard, quien mantiene un vínculo muy especial con la ciudad de Bilbao, que fue por boca de él quien le hablo de la ciudad a su amigo Frank Gehry, antes de que este hubiese visitado la ciudad por vez primera, como agradecimiento de Richard con esta maravillosa ciudad. La respuesta de este después de haber visitado la ciudad fue: “crear un museo en esta clase de entorno, es maravilloso”; Richard expresaba así los estrechos lazos de amistad y profundo respeto mutuo con el arquitecto: “Los edificios de Frank nunca te golpean como invenciones o convenciones artísticas descoloridas. No es un oportunista en su relación con los artistas. Es demasiado respetuoso para eso. Su vínculo con el arte es otro: él es uno de los pocos arquitectos de este siglo que ha incorporado los procedimientos y el proceso mental de la creación artística contemporánea en el mundo de la arquitectura. De hecho ha fundido la creación artística con la arquitectura. Esta es la razón fundamental por la que los artistas responden a sus obras, por la que le aprecian tanto. Es el arquitecto de los artistas”

En 1986, participa en la exposición “Entre la Geometría y el Gesto, escultura norteamericana 1965-1975”, celebrada en el Palacio de Velázquez de Madrid, el 26 de mayo de este mismo año, también participa en la exposición “Referencias: Un encuentro artístico en el tiempo”, que se realizo en ocasión de la apertura oficial del Centro de Arte Reina Sofía, Richard realizó la pieza de alzado “Igual Paralelo: Guernica-Bengasi”, se trata de cuatro hojas de acero laminado en caliente, que hoy forma parte de la colección del Museo. Así como en 1989 sorprende con “Apilamiento”, instalada actualmente en el exterior de un edificio de Louis Kahn en la universidad de Yale; “Amenazas del infierno”, que se presentó en el año 1990 en el CAPC -Musée d’art contemporain de Burdeos; en este mismo año Richard llevó a cabo el proyecto escultórico titulado “Afangar” realizada en la Isla de Videy en Islandia la cual consistía enfrenta nueve parejas de esculturas en piedra.

En 1992, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedicó una retrospectiva. La pieza “Arado” de 1992 está pieza está compuesta por dos hojas cuadradas de acero patinable de 2 por 2 metros cada una y 25 centímetros de grosor, separadas por una distancia de cinco metros y medio, y con un peso aproximado de 8 toneladas cada una de ellas es lo que conforma esta instalación, la obra convivirá en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía con el gran conjunto escultórico perteneciente a la Colección Propia del Museo; entre 1993 y 1994 recibió las primeras distinciones y las más importantes que le han sido otorgadas, fue elegido miembro de la American Academy of Arts and Sciences y el Premium Imperiale en la categoría de Escultura, otorgado por la Japan Art Association; el nombramiento como Doctor Honoris Causa en Bellas Artes por el California College of Arts and Crafts de Oakland. Un año antes de la inauguración del Museo Guggenheim de Bilbao hace la adquisición de la obra “Serpientes”, está compuesta de tres cintas ondulantes de acero y de 6 secciones cónicas, dos por curva. Mide 31,50 m de largo, 4 m de altura y más de 5,5 m de ancho, que fue incluida en la muestra inaugural del Museo en el año 1997 en la sala 104. Después con su obra “Torsiones elípticas” la exposición incluirá ocho obras de la excepcional nueva serie, 1996-98 fue instalado permanentemente en la galería más grande y acrecentara su interés en las ondulaciones de las formas. Así lo expresa Serra: "En la mayoría de las obras precedentes, yo daba forma al espacio por medio del material que estaba manipulando y, me centraba en las dimensiones y la colocación de la pieza con relación a un contexto determinado. En estas piezas, por el contrario, partía del vacío, del espacio en sí, de dentro hacia fuera para encontrar la piel". Cada forma elíptica está realizada con hojas de acero auto oxidable de entre 3,35 y 4,10 m de altura y un peso aproximado de 35 a 42 toneladas. Cinco de estas esculturas son elipses simples y tres son elipses dobles, cuyo peso supera las 80 toneladas.

Después en 1999, el Museo recibió con gran éxito al público y la crítica de la muestra monográfica “Richard Serra”, comisariada por Carmen Giménez, que recopilaba obras llevadas a cabo por el arista entre 1985 y 1999. Y en 2000 instaló el “Charlie Brown”, una escultura de 60 pies de alto ubicada en la nueva central de Gap Inc., en San Francisco. Para provocar la oxidación, se colocaron unos aspersores que fueron dirigidos inicialmente hacia las cuatro hojas hechas de acero que componen el trabajo. Ya en el 2001 recibe la Medalla de Oro en Escultura, otorgada por la American Academy of Arts and Letters; y al año siguiente lo eligieron como miembro de la Orden Pour le Mérite für Wissenschaften und Künste; “La materia del tiempo” del 2003. La obra es un gran conjunto escultórico que pertenece a la Colección Propia del Museo; En el verano de 2005, Serra volvió a San Francisco para instalar su primer trabajo público en esa ciudad. Dos láminas de acero de 50 pies de altura de 160 toneladas en el espacio abierto principal del nuevo campus de la universidad de California en San Francisco. También en 2005, el Centro de Arte Reina Sofía en Madrid anunció que una de sus esculturas, de 38 toneladas, “había sido perdida.” “Abaro” autor organizó el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía el mismo año, y, que posteriormente se exhibió en la 36 edición de la Feria Internacional de arte Art Basel en 2005.

En el año 2005 cuando el Museo decide reforzar su apuesta por un artista de esencial importancia en la escena artística contemporánea con la adquisición para su Colección Propia de “La materia del tiempo”, un conjunto de ocho esculturas compuesto por tres espirales, una torsión elíptica sencilla, una doble torsión elíptica, dos piezas más formadas por secciones de toros y esferas y las curvas cónicas de “Serpiente”. El conjunto de esculturas es uno de los hitos fundamentales de la museología mundial de las últimas décadas, fue exaltado por los principales medios de la crítica especializada de todo el mundo, entre ellos “The New York Times”, que denomina la instalación como “una de las grandes obras de los cincuenta últimos años” o “The Independent” que describía las ocho colosales esculturas como “de una escala y ambición sin precedentes en la historia de la escultura”.

En el bienal de Whitney, 2006, Serra participo con un dibujo simple a crayón de un preso de Abu Ghraib con el subtítulo “STOP BUSH.” Esta imagen que sería utilizada más adelante por el museo Whitney para hacer los carteles para la bienal; en los mismos estaba modificado y se leía en ellos “STOP B S.”

La obra de Richard, Equal-Parallel-Guernica-Bengasi de más 38 toneladas de peso, que desapareció del Museo Reina Sofía, gracias a una reproducción del artista vuelve a formar parte de la colección permanente del Museo y que Manuel Borja-Villel, director del Reina Sofía, y la ha vuelto a colocar en la antigua librería del Museo. En la reinauguración de esta pieza estuvo presente el artista y el ministro de Cultura, César Antonio Molina, está programada que se abra al público el próximo 26 de enero, declaro Borja-Villel. La obra había sido comprada originalmente por el estado Español en 1987 por la cantidad de 216.000 euros.

Informó en el museo que la copia había sido elaborada por una empresa alemana por la suma de 78.000 euros esto fue en el 2006. La escultura, está formada por varias hojas de acero colocadas verticalmente, que refleja la relación del "cuerpo con el espacio" y la interacción entre el "cuerpo y la arquitectura", según expreso el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel. En instalación de esta obra, se ha tenido que perforar la sala de la antigua tienda de libros del Reina Sofía, situada en la planta principal.

En la celebración de la ocasión fue condecorado con la Orden de las Artes y las Letras de España otorgado por El Consejo de Ministros, de manos del propio ministro de Cultura César Antonio Molina, concedió al escultor estadounidense Richard Serra, como reconocimiento a su trayectoria profesional y su contribución a la difusión internacional de nuestra cultura. Serra es el primer galardonado con esta distinción.

¿Los esteriotipo son un cliché?

Con esta pregunta que sirve como tema a la obra fotográfica de Deborah Castillo que se ha propuesto romper con el contexto de la mujer como símbolo comercial, imagen de capitalismo y consumismo mercantilista sirviéndose para esto de la propia imagen que representa la pornográfica que propicia los calendarios de talleres mecánicos, utilizando para esto los clásicos fetiches, de esto se basa su trabajo Colección privada: Fantasías I, premiado con el mayor galardón en la XI Edición del Premio Eugenio Mendoza, 2003. Castillo hace un juego de poses: La niña, la conejita, la mujer fatal, la novia, la bailarina; vinculadas a representaciones clásicas de la pornografía, haciendo sátira de lo mismo. Colocándolos en pequeños escenarios con llamativas telas rojas que hacen alusión a los antros vinculados a la prostitución y al espectáculo para adultos.

Castillo alude: “Su vida no interesa, lo único que importa es que ella se está mostrando, que es una prostituta, que no tiene moral ni buenos principios”. En este caso explora la barrera para romper los límites convencionalismo femenino usando para esto un juego de roles para alcanzar nuevos horizontes a “otros” estándares de belleza, los cuales van cambiando con el paso del tiempo distintas instituciones culturales asociadas al mercado de la publicidad, moda, medios de comunicación de acuerdos a los parámetros históricos.

Esta venezolana nace en caracas en el año 1971, sale graduada del IUESAPAR mención medios mixtos 2003; cursa estudios de "Hair and Style" en la prestigioso College of Fashion de Londres 2004. Realizo estudios y fue asistente de Nelson Garrido, además de Liliana Martínez y Edgar Moreno, estudio Artes del Fuego en la Escuela Cristóbal Rojas, organizo subastas y exposiciones en Sala Mendoza; y a participado en exposiciones colectivas e individuales en Inglaterra, Argentina y Estados Unidos.

A principio del 2008 Castillo disfrazada con utensilio de limpieza de mucama: Delantal, plumero y coleto presentó el performance “La Supersudaca” en el marco de la exposición “Colección Privada”, que se llevó a cabo en el Espacio Escala con el auspicio de la Cajasol de Sevilla en España. Ante el asombro de los visitantes la artista se dispuso a limpiar el piso, las esquinas y los rincones de la sala de exposición. El mensaje del performance consistía en hacer evidente los abusos y las discriminaciones que se ven obligados y que son objeto inmigrantes ilegales en busca de alcanzar un mejor estatus social. Luego de su transitar por Europa regresa a Venezuela dando fin a su performance de “Supersudaca”, de la triste emigrante que vuelve a su tierra de origen con los sueños frustrados.

Al hablar de estos dos artista se hace evidente el que los sea por el propio que cada uno tiene, en el caso de Serra una hunda integración que funde al artista con su obra, que lo hace quedar en evidencia, intimo, desnudo, sincero, autentico, simple, desprovisto de prejuicios, en su más pura esencia, haciéndola cobrar vida, palpitando con el espectador, invitándolos a recorrer en un viaje por el interior de la mente del artista, esto se mantiene a lo largo de su fructífera carrera artística consagrándolo y llenado de gloria, valorando sobre todo enorme aporte al arte contemporáneo colocándolo como uno de los más grandes escultores que aun deambula por las calles de New York.

Nuestra compatriota por lo contrario, hace uso de la fotografía como medio de para expresar y explorar su lenguaje artístico mediante el cual hace un planteamiento muy interesante con respecto a la inundación del material erótico femenino que plaga cualquier superficie que podamos llegar a observar en nuestra vida cotidiana, utilizando para esto la sátira y la ironía con su auto representación de los mismos clichés que se han venido repitiendo a lo largo de la historia; confrontando a los cánones históricos que fue sometida la belleza femenina sin dejar pasar la carga feminista que lograr impregnar en la realización de sus fotos y performance.

Nota:

La nota de cierre empieza con un agradecimiento de mi parte por visitar mi blog y termina con la invitación a que dejen sus sugerencias y correcciones en la caja de comentarios. 

Hasta otra oportunidad…